Ruth Asawa y el alambre que desafió el espacio
Ruth Aiko Asawa, una de las escultoras más singulares del arte posguerra en Estados Unidos, llega por primera vez a España con una exposición retrospectiva en el Museo Guggenheim Bilbao. Hija de inmigrantes japoneses, su vida estuvo marcada por el rechazo y la discriminación durante la Segunda Guerra Mundial, cuando junto a su familia fue recluida en un campo de internamiento durante 18 meses. Fue precisamente en ese entorno de privación donde descubrió su pasión por el arte, gracias a la enseñanza de otros internos que le transmitieron las primeras nociones de pintura y dibujo.
Una trayectoria marcada por la resiliencia
Nacida en 1926 en California, Asawa apenas tenía 19 años cuando Estados Unidos lanzó las bombas atómicas sobre Hiroshima y Nagasaki. A pesar de su talento, enfrentó barreras por su origen: en 1946, se le negó el título universitario que la habilitaría para enseñar arte debido a los prejuicios raciales de la época. Lejos de rendirse, encontró en el Black Mountain College, una escuela progresista de Carolina del Norte, un espacio de libertad creativa que la ayudó a forjar su voz artística. Allí, su formación abarcó disciplinas tan diversas como las matemáticas, la filosofía, la música y la danza, todas ellas reflejadas en la complejidad estructural de su obra.
Su lenguaje escultórico se basó fundamentalmente en el alambre industrial, que moldeaba a mano para crear formas orgánicas que parecían crecer por sí mismas. Asawa definió este material como “el vocabulario de mi escultura”, con el que lograba estructuras que, aunque hechas de un material rígido, transmitían fluidez y ligereza. Su inspiración provenía tanto de la naturaleza —especialmente de los patrones de crecimiento de plantas y organismos— como de técnicas artesanales, como la cestería de alambre que observó durante un viaje a México en 1947. Esa experiencia se convirtió en un punto de inflexión decisivo en su carrera.
Un arte que dialoga con el espacio
- Sus esculturas, conocidas por sus formas continuas y espirales logarítmicas, se caracterizan por una transparencia que permite al espacio atravesarlas.
- Asawa trabajaba con una única línea de alambre enlazada, creando volúmenes que cambian según el ángulo desde el que se observan.
- Sus piezas, muchas de ellas colgantes, generan sombras que también forman parte del trabajo, otorgando profundidad incluso en ausencia de materia sólida.
La artista desarrolló una estética única basada en la repetición, la simetría y la continuidad, donde las formas parecen envolverse unas a otras sin principio ni fin. Este concepto, que ella llamaba “forma continua dentro de otra forma”, refleja una visión del espacio como algo dinámico e interconectado. “Habitan el espacio sin robar el aire”, dijo uno de sus hijos, Paul Lanier, una frase que la directora del Guggenheim Bilbao, Miren Arzalluz, ha descrito como un lema profundamente significativo, especialmente en tiempos de incertidumbre.
La exposición en Bilbao reúne más de 250 obras, incluyendo esculturas de alambre, moldes en arcilla y bronce, dibujos, pinturas, grabados y piezas de papiroflexia, muchas de ellas mostradas por primera vez fuera de Estados Unidos. Tras su paso por el MoMA de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de San Francisco, esta muestra representa un reconocimiento tardío pero contundente a una artista cuya obra fue ignorada durante décadas. Aunque falleció en 2013, su legado ha cobrado renovada relevancia en los últimos años, consolidándose como una figura imprescindible del arte del siglo XX.
Asawa vivió con su marido, el arquitecto Albert Lanier, y sus seis hijos en una casa de Noe Valley, en San Francisco, donde el arte y la vida familiar coexistieron sin fronteras. Su taller era parte del hogar, y sus creaciones convivían con el ritmo cotidiano de una familia numerosa. Esa integración entre creación y vida diaria parece reflejarse en sus obras: frágiles y fuertes a la vez, presentes sin imponerse, sutiles pero inolvidables.
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